Camille Pissarro: Der Einzige, der jedes Mal erschien

Von der Gruppe der Maler, die zwischen 1874 und 1886 acht unabhängige Ausstellungen organisierten und damit dem Wort Impressionismus zur Welt verhalfen, erschien genau ein Künstler in jeder einzelnen Ausstellung: Camille Pissarro. Monet ließ mehrere aus. Renoir und Degas kamen und gingen. Pissarro, älter als fast alle von ihnen und der faktische Anker der Gruppe, verpasste keine einzige — und nebenbei unterrichtete er persönlich Cézanne, Gauguin und, informeller, Mary Cassatt sowie Vincent van Gogh, Männer und Frauen, die die Malerei nach dem Abklingen des Impressionismus neu gestalten sollten.

Eine Kindheit zwischen zwei Welten

Pissarro wurde am 10. Juli 1830 als Jacob Abraham Camille Pissarro auf der karibischen Insel Saint Thomas geboren, die damals Teil der Dänisch-Westindischen Inseln war. Er war der Sohn eines portugiesisch-jüdischen Vaters und einer französisch-jüdischen Mutter, deren Ehe die örtliche jüdische Gemeinschaft so sehr schockierte, dass ihre vier Kinder von der jüdischen Schule ausgeschlossen und stattdessen auf eine rein schwarze Grundschule geschickt wurden — eine frühe, prägende Erfahrung der Ausgrenzung, die Biografen mit seiner lebenslangen egalitären Politik in Verbindung bringen. Mit zwölf Jahren wurde er auf ein Internat bei Paris geschickt, wo er zum ersten Mal ernsthaft mit den französischen Meistern in Berührung kam, bevor er mit sechzehn nach Saint Thomas zurückkehrte, um als Hafenangestellter zu arbeiten. Es war eine zufällige Begegnung mit dem dänischen Maler Fritz Melbye im Alter von einundzwanzig Jahren, die ihn dazu brachte, die Malerei als Beruf zu wählen; die beiden verbrachten zwei Jahre zusammen in Venezuela, bevor Pissarro um 1855 dauerhaft nach Paris zog, wo er informell bei Camille Corot sowie an der Académie Suisse und der École des Beaux-Arts studierte.

Der Einzige bei allen acht Ausstellungen

Pissarro half 1873 bei der Gründung der Société Anonyme des Artistes, der Genossenschaft von fünfzehn Malern, deren erste unabhängige Ausstellung im darauffolgenden Jahr den Impressionismus als öffentliche Bewegung effektiv einleitete. Den meisten Berichten zufolge war er eher der organisatorische Klebstoff der Gruppe als ihr Star: der Kunsthistoriker John Rewald nannte ihn den „Dekan der impressionistischen Maler“ und führte den Titel nicht nur auf sein relatives Alter zurück, sondern auf „seine Weisheit und seine ausgeglichene, freundliche und warmherzige Persönlichkeit“. Seine Kollegen nannten ihn „Père Pissarro“ (Vater Pissarro), und er ist der einzige Maler mit einer ungebrochenen Ausstellungsbilanz bei allen acht Schauen, die die Gruppe zwischen 1874 und 1886 organisierte. Dieses Maß an institutioneller Loyalität hielt das zerstrittene und finanziell prekäre Kollektiv trotz wiederholter öffentlicher Lächerlichkeit und eines fast totalen kommerziellen Scheiterns zusammen.

Lehre für Maler, die den Impressionismus überwachsen sollten

Pissarros markantestes Erbe sind vielleicht weniger seine eigenen Leinwände als die Maler, die er formte. Paul Cézanne nannte ihn „einen Vater für mich. Ein Mann, den man konsultieren kann, ein wenig wie der liebe Gott“, und arbeitete in den 1870er Jahren an seiner Seite in der Gegend von Pontoise an denselben Motiven, wobei er Lektionen über Struktur und Farbe in sich aufnahm, die Cézanne dann in eine völlig andere, post-impressionistische Richtung trug. Paul Gauguin studierte bei ihm, bevor er sich in Richtung Symbolismus und Tahiti orientierte, und erkannte offen an: „Er war einer meiner Meister und ich leugne ihn nicht.“ Mary Cassatt, die seinen Unterricht bewunderte, ohne formelle Schülerin zu sein, sagte, er sei „ein solcher Lehrer, dass er sogar Steinen das richtige Zeichnen hätte beibringen können“, und Vincent van Gogh schrieb den Gesprächen mit Pissarro zu, dass sie sein eigenes Verständnis von Farbe und Licht geklärt hätten. Kein anderer Impressionist brachte eine vergleichbare Riege bedeutender Künstler hervor, die seine Umlaufbahn durchquerten und verändert verließen.

Ein Maler, bereit, mit fünfundfünfzig neu anzufangen

Während die meisten seiner impressionistischen Kollegen sich in einem reifen Stil festfuhren und diesen weitgehend beibehielten, überarbeitete Pissarro seine Methode bis weit in seine Fünfziger hinein. 1885 traf er Georges Seurat und Paul Signac und war von deren wissenschaftlich fundierter pointillistischer Technik, Farbe in kleinen, getrennten Punkten reiner Farbe aufzutragen, fasziniert; er übernahm sie für etwa drei Jahre komplett — ein ungewöhnlicher Schritt für einen bereits Mitte fünfzigjährigen, etablierten Künstler. Er gab sie 1888 auf, da er zu dem Schluss kam, dass das starre System der Methode ihn daran hinderte, das einzufangen, was er die „zufälligen und bewundernswerten“ Effekte der Natur nannte, und kehrte zu einer lockereren impressionistischen Hand zurück. Der Kunsthistoriker Joachim Pissarro, sein Urenkel, hat auf diese Episode als Beweis für eine „außergewöhnliche Fähigkeit hingewiesen, seine Kunst zu verändern, seine Position zu überdenken und neue Herausforderungen anzunehmen“ — was Camille Pissarro den meisten Berichten zufolge zum einzigen bedeutenden Maler macht, der vollständig in den Neo-Impressionismus eintrat und wieder aus ihm herausfand.

Paris von einem Hotelfenster aus malen

Wiederkehrende Augenentzündungen in seinen späteren Jahren machten längeres Arbeiten im Freien außer bei warmem Wetter schmerzhaft. Ab den 1890er Jahren malte Pissarro daher zunehmend urbane Szenen aus Hotelzimmern in den oberen Stockwerken in Rouen, Le Havre, Dieppe, London und vor allem Paris. Während er Anfang 1897 im Grand Hôtel de Russie arbeitete, schuf er in wenigen Monaten sechzehn Gemälde der Boulevards Montmartre und des Italiens und beschrieb den Blick als eine Art „Vogelperspektive auf Kutschen, Omnibusse, Menschen, zwischen großen Bäumen“ — ein Wechsel am Ende seiner Karriere von der ländlichen Landschaft zum modernen großstädtischen Spektakel, den das Metropolitan Museum, das mehrere der Serie besitzt, als entscheidende späte Leistung und nicht als Zugeständnis an die nachlassende Gesundheit wertet.

Warum Camille ein Genie genannt wird

Das Argument für Pissarros Genie beruht weniger auf einer einzelnen dramatischen formalen Erfindung — anders als bei Monets Seerosen oder Degas' Tänzern definiert ihn kein einzelnes Motiv —, sondern auf der Bandbreite, Disziplin und technischen Großzügigkeit, die er über fünf Jahrzehnte und mehrere Bewegungen hinweg aufrechterhielt: Pleinair-Landschaft, urbane Serienmalerei und ein vollständiges Eintauchen in den Pointillismus sowie der Ausstieg aus diesem, wobei jede Phase auf einem professionellen Niveau ausgeführt wurde, das seine Kollegen respektierten. Émile Zola nannte ihn einen der „drei oder vier wahren Maler dieser Zeit“, mit einer „Technik, die so sicher ist“, und ein zeitgenössischer Beobachter schrieb bewundernd, dass er „den Geruch der Erde malt“. Die ehrliche Komplikation ist, dass Pissarros ländliche Themen — Bauern, zerfurchte Felder, gewöhnliche Arbeit — zu seiner Zeit als „vulgär“ kritisiert wurden, gerade weil ihnen das dramatische Thema oder der einzigartige Signaturstil fehlte, der die Zeitgenossen sofort erkennbar machte, und sein kommerzieller Erfolg blieb den Großteil seines Lebens hinter dem von Monet und Renoir zurück. Sein Genie ist den Beweisen zufolge weniger eine Frage einer unverwechselbaren Marke als vielmehr ein konsistentes, sich entwickelndes Handwerk und eine unübertroffene Fähigkeit, es anderen beizubringen.

Vermächtnis

Pissarro starb am 13. November 1903 in Paris, nachdem er die Exiljahre des Deutsch-Französischen Krieges (1870–71) mit Malen in Norwood, England, verbracht hatte, wo er den Kunsthändler Paul Durand-Ruel traf, der sein lebenslanger Förderer wurde, und Constable und Turner aus erster Hand studierte. Seine Gemälde, die sich zu Lebzeiten schlecht verkauften, erzielen heute zweistellige Millionenbeträge — eine Boulevardszene von 1897 erzielte 2014 fast 20 Millionen Pfund — und mehrere Werke, die während des Zweiten Weltkriegs von den Nazis geplündert wurden, sind weiterhin Gegenstand laufender Rückgabestreitigkeiten. Sechs seiner sieben Kinder wurden Maler, eine Familiendynastie, die auf demselben geduldigen Unterricht aufbaute, der Cézanne und Gauguin vor ihnen geformt hatte.