Brian De Palma: Der Provokateur des Split-Screens

Ein Mann wird von einem anderen beobachtet, der wiederum von einer Kamera beobachtet wird, die sich um 360 Grad um beide dreht, während sich das Bild selbst teilt und beide Perspektiven gleichzeitig zeigt. Dies ist kein isoliertes Stilmittel in Brian De Palmas Filmografie; es ist fast schon sein Markenzeichen. In fast sechzig Jahren hat er einige der technisch gewagtesten Thriller des amerikanischen Kinos geschaffen, harsche Kritik für Gewalt und Frauenfeindlichkeit geerntet und wurde mehr als einmal ein Jahrzehnt später als verkannter Formalist wiederentdeckt.

Von der Physik zum Film

De Palma wurde am 11. September 1940 in Newark, New Jersey, als jüngster von drei Söhnen eines orthopädischen Chirurgen und einer Mutter geboren, von der sich sein Vater trennte, als er ein Teenager war – ein Ereignis, das laut De Palma seine Faszination für Voyeurismus und Überwachung auf der Leinwand prägte. Er wuchs größtenteils in Philadelphia auf und besuchte die Friends' Central School. Er begann ein Physikstudium an der Columbia University, wechselte jedoch zum Film, nachdem er Orson Welles’ Citizen Kane und Alfred Hitchcocks Vertigo gesehen hatte. 1964 erwarb er einen Master in Theaterwissenschaften am Sarah Lawrence College, wo er einer der ersten männlichen Studenten war. Er studierte bei dem Theaterlehrer Wilford Leach und nahm Einflüsse der Maysles-Brüder, Antonioni, Godard und Warhol auf.

Der Außenseiter des New Hollywood

De Palma trat neben Scorsese, Spielberg, Coppola und Lucas als Teil der New-Hollywood-Generation auf, doch seine frühen Arbeiten unterschieden sich stark von deren Werken. Seine Dokumentarfilme The Responsive Eye (1966) und Dionysus in '69 (1969) sowie seine unkonventionellen Komödien Greetings (1968, der einen Silbernen Bären in Berlin gewann) und Hi, Mom! (1970) starteten Robert De Niros Filmkarriere und etablierten De Palma als experimentellen, gegenkulturellen Filmemacher statt als Mainstream-Regisseur. Mit Sisters (1972), Phantom of the Paradise (1974) und Obsession (1976), die alle von Hitchcock-Techniken durchdrungen waren, wandte er sich entschieden dem Thriller-Genre zu.

Carrie und der Höhepunkt des Handwerks

Carrie (1976), seine Adaption von Stephen Kings erstem Roman, war sein Durchbruch und brachte Sissy Spacek und Piper Laurie Oscar-Nominierungen sowie einen späteren Platz im National Film Registry ein. Es folgte eine Reihe stilistisch extremer, kritisch umstrittener Thriller: Dressed to Kill (1980), der sowohl Lob als auch Proteste für die Darstellung eines Transgender-Mörders hervorrief, und Blow Out (1981), seine Variation von Antonionis Blowup mit John Travolta, den Pauline Kael als einen Film lobte, in dem „das Genre transzendiert wird“. Quentin Tarantino bezeichnete Blow Out als einen seiner absoluten Lieblingsfilme und besetzte Travolta in Pulp Fiction teilweise aufgrund der Stärke dieses Films.

Scarface, The Untouchables und der kommerzielle Höhepunkt

De Palmas Neuverfilmung von Scarface (1983) mit Al Pacino wurde bei der Veröffentlichung kühl aufgenommen und ist heute ein Kult- und Hip-Hop-Meilenstein. The Untouchables (1987), sein Gangsterfilm aus der Prohibitionszeit mit Kevin Costner und Sean Connery, brachte Connery einen Oscar als bester Nebendarsteller ein und bleibt De Palmas größter unbestrittener kritischer und kommerzieller Erfolg, komplett mit einer Schießerei-Sequenz, die offen an Eisensteins Odessa-Treppe angelehnt ist. Casualties of War (1989) erntete trotz schlechter Einspielergebnisse Lob; The Bonfire of the Vanities (1990) war ein kostspieliger, viel verspotteter Misserfolg. Kommerziell erholte er sich mit Carlito's Way (1993) und führte 1996 Regie bei Mission: Impossible, seinem umsatzstärksten Film und dem Start einer langlebigen Franchise, zu der er selbst nie zurückkehrte.

Eine schwierigere spätere Karriere

In den folgenden Jahrzehnten ließ die Unterstützung der Studios nach: Snake Eyes (1998) und Mission to Mars (2000) wurden bei der Veröffentlichung schlecht aufgenommen, obwohl Femme Fatale (2002) seitdem eine Kultanhängerschaft gewonnen hat. The Black Dahlia (2006) war sein letzter von einem Studio unterstützter Spielfilm; Redacted (2007), ein Drama über den Irakkrieg, löste mit einem Budget von unter 5 Millionen Dollar politische Kontroversen aus und spielte kaum einen Bruchteil davon wieder ein. Passion (2012) lief im Wettbewerb von Venedig, und Domino (2019), der nach einer schwierigen Produktion direkt auf Video veröffentlicht wurde, erntete von De Palma selbst ablehnende Kritiken, der ihn als „schrecklich“ bezeichnete. Er entwickelte bis in seine Mitte achtziger Jahre neue Projekte, darunter einen Film, der von der Berichterstattung über Harvey Weinstein inspiriert war, und veröffentlichte zwei gemeinsam geschriebene Romane sowie eine Sammlung von Drehbüchern.

Das Für und Wider

Kritiker streiten seit Jahrzehnten an zwei Fronten über De Palma. Roger Ebert lobte wiederholt seine technische Beherrschung; Pauline Kael verteidigte ihn als einen Künstler, der innerhalb und außerhalb des Genres arbeitet. Kritiker warfen ihm grundlose Gewalt und Frauenfeindlichkeit vor – ein Vorwurf, den De Palma trocken beantwortete: „Ich mache Spannungsfilme!“ Neuere wissenschaftliche Arbeiten, darunter eine Studie des Filmwissenschaftlers James Kenney, der ihn als „einen der kompliziertesten Feministen des Kinos“ bezeichnete, haben Filme wie Dressed to Kill und Body Double durch eine queere und feministische Linse neu gelesen, während De Palma selbst Bedauern über die Darstellung der Transgender-Figur im erstgenannten Film äußerte.

Warum Brian ein Genie genannt wird

Der Anspruch, der für De Palma erhoben wird, ist eher der eines Handwerkers als der eines Intellektuellen: Er ist einer der technisch virtuosesten Stilisten des amerikanischen Kinos, jemand, der in reiner Kameramechanik denkt – Split-Screen-Storytelling, Split-Diopter-Aufnahmen, die Vorder- und Hintergrund gleichzeitig scharf halten, ununterbrochene 360-Grad-Schwenks, ausgedehnte Steadicam-Aufnahmen, die wie Ballett choreografiert sind. Pauline Kaels Lob, dass in seinen besten Arbeiten „das Genre transzendiert wird“, ist das Nächste, was ein bedeutender Kritiker dazu kam, ihn als Genie zu bezeichnen, und dies wurde durch spezifische Sequenzen verdient, nicht durch ein Gesamtwerk an Ideen. Das ehrliche Gegenargument ist substanziell: De Palma ist nach eigener Aussage und der seiner Kritiker eher ein Nachahmer und Weiterentwickler von Hitchcock als ein Schöpfer neuer Formen. Seine Filme wurden wiederholt beschuldigt, eher mit Schock und Frauenfeindlichkeit als mit Einsicht zu handeln, und seine Einspielergebnisse über fünf Jahrzehnte sind extrem ungleichmäßig, mit ebenso vielen kostspieligen Misserfolgen wie Triumphen. Was nicht bestritten wird, ist das handwerkliche Können selbst – eine Meisterschaft der visuellen Mechanik, der Kamerachoreografie und der Spannungskonstruktion, von der jüngere Regisseure, von Tarantino bis Nacho Vigalondo, gelernt und direkt Gebrauch gemacht haben.

Vermächtnis

De Palmas Einfluss lebt weniger in einer Denkschule als in einem Werkzeugkasten: Filmemacher greifen immer noch zur Split-Diopter-Aufnahme, zur ausgedehnten, ununterbrochenen Spannungssequenz, zur Hitchcock-Hommage in seinem speziellen, expliziteren Register. Der Dokumentarfilm De Palma aus dem Jahr 2015, der aus Stunden seiner eigenen Erinnerungen zusammengestellt wurde, zementierte eine bereits laufende kritische Neubewertung und behandelte einen Regisseur, der einst als gewalttätiger Nachahmer abgetan wurde, als einen der rigorosesten visuellen Techniker seiner Generation.